Voici la liste des 25 Artistes solidaires retenus pour l’Exposition Ephémère de Novembre 2025 par l’association APELS « Artistes pour l’espoir Les Sorinières »
Ce sont des artistes professionnels connus et reconnus en France et à l’étranger. Ils exposent et proposent à la vente leurs tableaux et sculptures de grande qualité. Les acquéreurs sont incités à faire un don aux associations aidées.
Vit et travaille à Saint-Dolay (56). Ses nus féminins au pastel sont reconnus pour leur beauté, leur finesse et la subtilité des couleurs, des accords et des détails. L’originalité de son oeuvre réside dans son regard sur les femmes. Les nus féminins étant traditionnellement peints par des hommes. Remarquée en 2004 par la Société des Pastellistes de France, elle sera l’invitée d’honneur de l’exposition à Paris et sera nommée Maître Pastelliste l’année suivante. Si son travail fait l’objet d’une reconnaissance certaine, elle considère le parcours d’artiste comme un éternel apprentissage.
Formé à l’École Boulle en architecture intérieure, Patrick Perrin capte avec ses “Moments Suspendus” l’essence d’un instant, une luminosité éphémère figée dans le temps. La sérénité et la douceur qui émanent de ses œuvres sont renforcées par l’utilisation du hors-champ, créant une atmosphère à la fois paisible et intrigante. L’absence est subtilement suggérée, mais la présence de la vie est palpable. Les jeux d’ombres projetés par le soleil sur les étoffes, les sols et les murs témoignent d’une action passée ou imminente, laissant place à l’imagination. Chaque spectateur est libre de créer sa propre interprétation et de tisser son propre récit.
Bien que tout juste agé de 52 ans Manou s’avère être un artiste au talent mûr .Le travail de ses début sur les arts premiers et sur le voyage semble avoir été digéré pour se livrer désormais à un travail, plus singulier pourtant empreint d’une multitude de cultures. « j’ai entassé des tas d’histoires que je ressort en fonction de l’évolution de ma peinture car celle-ci se construit par moment de façon inconsciente puis par instant de façon consciente. »
Rien d’étonnant donc à ce que ce côté gestuel, graffitis s’expriment en toute liberté .La peinture de Manou garde des traces de toutes ses périodes mais elle est aujourd’hui en même temps une interrogation sur la vie et le monde .L’actualité et l’histoire interpellent l’artiste qui à sa manière, digère les événement pour mieux les livrer aux spectateurs avec son style et sa palette de couleurs . « j’aime réinterpréter l’actualité à ma manière , ressortir une petite histoire au détours d’un reportage télé ou bien même de mon quotidien. ».
Son style de peinture ne vous laissera pas indifférent car dernièrement l’artiste est passé des couleurs suaves et de son dessin doux à des couleurs plus fortes et à un graphisme plus enlevé . « Mon but est de rassembler sur une toile un dessin graphique fais à la peinture noire avec un univers peinture très flou ».A noter que manou fais parti des rare artiste à passer de la peinture à la sculpture tout en restant dans un même univers.
Originaire de Corée du Sud, où j’ai a vécu une partie de mon enfance. Exilée vers la France, pays d’adoption.
J’ai obtenu un diplôme national d’Arts Plastiques à Rennes en 1993. J’ai participé́ à de nombreuses expositions. De Laval à Rio de Janeiro, en passant par l’Espagne, Bruxelles, les Pays-Bas et dans de nombreuses galeries en France, mon œuvre se nourrit à travers différents voyages, rencontres et échanges.
Ce passé conjugué au temps qui passe m’ont poussé à coucher mes rêves et mes souvenirs sur la toile, donnant ainsi naissance à un art « entre Orient et Occident », nourri de cette dualité culturelle et de mes nombreux voyages, vécus comme autant d’aventures humaines où la découverte de l’Autre occupe toute la place. La couleur est liée à mon histoire, souvenir de mon enfance, c’est comme un retour au source…
Mes toiles métissées retranscrivent à la fois dans mes œuvres la quête d’identité, et mon regard résolument positif tourné vers l’avenir
Mon inspiration évolue au fil des temps et traverse tous les horizons, qu’elle soit ethnique ou culturelle, aux couleurs toujours flamboyantes.
`Mes techniques acquises à travers la pratique de collage et de diverses expressions plastiques animent ma passion pour les chants colorés. Mon univers s’inscrit à travers des personnages orientaux colorés, de paysages qui peut s’étendre à la frontière de l’abstraction
Les enfants aiment qu’on leur raconte des histoires. C’est avec pudeur et générosité qu’Antoine Josse propose mais jamais n’impose le début d’un récit dont chacun tissera sa trame.
Les spectateurs – Petits Princes en puissance – plongent dans un imaginaire poétique, forgé dans la rêverie et la malice. Depuis la presqu’île bretonne qui l’a vu naître, Antoine Josse a oublié de grandir. Ses oeuvres ont pris le large, semant leur poésie aux quatre coins de l’Europe, jusqu’aux États-Unis ou l’Australie. Les éléments semblent faire un pied de nez au temps qui passe. Ils dessinent une nature où tout devient possible. La folie douce qui y règne invite à la contemplation et au voyage. On prend de la hauteur, on plonge dans les profondeurs, on s’assoit sous un arbre. Le silence et la tranquillité suspendent les heures. On oublie tout le temps d’une oeuvre. Le temps de redevenir enfant. Justine Boulo
Formé à l’école des Beaux-arts de Paris, François Halie a participé à de nombreux salons et expositions jalonnés de prix. Son travail se singularise par une composition très dense dans un espace déstructuré, où il donne à voir un univers à la frontière du réel et de l’imaginaire. La femme représentée comme une icône au visage impénétrable, est un des thèmes récurrents avec la ville et sa charge onirique. Un souffle poétique d’une exquise mélancolie se dégage de son oeuvre, où le temps y parait suspendu entre veille et rêve éveillé à travers une palette retenue et subtile.
Vit et travaille à La Montagne (44). Daniel Germain aime la couleur. Elle revient toujours au centre de son discours. Parfois infime sur ses toiles, elle n’est jamais anodine et attire invariablement l’oeil du spectateur. Cette lumière, il aime la partager avec ceux qui croisent son chemin. Avant la représentation, sa démarche artistique passe par l’observation de ses contemporains, la lumière, les paysages d’eau autour de sa région. Il cherche à exprimer ce qu’il ressent au contact de la vie courante, suspendue entre ciel, terre et mer, ses toiles sont un condensé de lumière et de vie.
Né à Toulon avec un grand-père et un père dans la marine Nationale.
Des histoires de mer ont bercé son enfance et l’ont toujours accompagné…
Depuis ses premières sorties sur l’eau à l’âge de 6 ans il n’a jamais cessé de naviguer…Croisières en famille et régates en méditerranée.
Il est inscrit à la Maison des Artistes depuis l’année 2001.
De ses navigations, Il propose un regard contemporain sur la peinture marine. Il revisite et rafraîchit le genre sur de grands formats (rares) à l’aquarelle.
Sa double compétence de yachtman régatier et de peintre de la mer, lui permet de restituer avec transparence une atmosphère que les connaisseurs aiment à retrouver dans son travail.
Attachée à l’équilibre des êtres et de la nature, Evelyne Gaillou, photographe du mouvement, converse avec les éléments. Se jouant du temps qui s’étire, des ombres qui s’étendent, des lumières évanescentes et des couleurs, elle cultive son univers singulier en cueillant des instants furtifs dans un monde en perpétuel mouvement. Pont entre la matière et l’esprit, la lumière pose ainsi les germes d’un imaginaire qu’elle fait sien dans un corps à corps photographique.
Eskandar, artiste italien, résidant à Moirax (47) depuis le milieu des années 90, a fait de la sculpture animalière sa mission expressive.
Il porte dans son travail une attention particulière à la forme, au matériau et au détail, influencé par sa formation académique en Conservation des Biens Culturels à l’Université Ca’ Foscari (Venise) et une longue expérience en tant que fresquiste et stucateur ornemaniste.
Il a consacré 20 ans de son art à la sculpture canine, un des thèmes les plus exigeants de l’art animalier en raison de la grande variété morphologique des races.
De son travail se dégage une profonde sensibilité et un amour viscéral envers le monde animal.
Ses sculptures s’enracinent dans une culture figurative qui s’inspire de la Renaissance et du Baroque, périodes qui ont marqué sa formation esthétique.
Cathy Doutreligne est une artiste peintre française née en 1955 dans le Nord de la France. Diplômée de l’École des Beaux-Arts de Roubaix, elle débute sa carrière dans la communication visuelle, en tant qu’illustratrice pendant plusieurs années. Ce premier parcours dans le graphisme et la mise en page nourrit déjà son sens de la composition, du rythme et des contrastes.
À partir des années 1980, elle choisit de se consacrer pleinement à la peinture et développe un univers artistique singulier, profondément inspiré par les paysages maritimes de la Côte d’Opale, de la Bretagne et de la Normandie. Elle y capte des scènes de bord de mer en apparence anodines – plages, baigneurs, promeneurs — qu’elle transforme en compositions épurées, presque musicales Son style se caractérise par de grands formats carrés où dominent l’acrylique et des jeux subtils de lumière. Les silhouettes humaines y deviennent des points de fuite, des rythmes visuels, posés dans un espace flottant entre ciel et mer. On y retrouve un équilibre entre abstraction et figuration, où chaque personnage est à la fois anonyme et universel.
Présente dans de nombreuses galeries et salons en France, Cathy Doutreligne expose régulièrement au Havre, à Paimpol, Montpellier, ou encore sur la côte Atlantique. Son travail, à la fois graphique, sensible et contemplatif, fait désormais partie de nombreuses collections privées.
Aujourd’hui, je suis encore et toujours passionné de peindre la réalité, les paysages, la Nature et le Patrimoine construit, l’Urbanisme témoin du passé de nos familles dont je reste sensible, attentif et respectueux. (Paris, La Baule, Le Luberon, Giverny, La Côte d’Azur…L’Italie, Le Pays de Galles, Le Maroc, La Sicile, La Crête…)
Exposition du 19 au 24 août à la Salle des Régates 22370 Pléneuf Val André
Exposition aux Rencontres du Pé Bernard du 20 au 28 septembre 44850 Le Cellier
Exposition du 1er au 15 octobre à L’ATELIER GALERIE LETOLIACHA 61 rue Claude Monet 27620 Giverny
La réalité me nourrit pour aussi, écrire ou peindre, dans un vocabulaire graphique plus abstrait frisant le spirituel…Mes formations à l’Académie ROEDERER puis à l’Ecole CAMONDO de Paris ont structurées ma sensibilité à l’espace, à la couleur, aux transparences … A la lumière, âme d’une œuvre ! J’essaye d’offrir un espace de beauté, propre à l’aquarelle, à l’acrylique liquide sur toiles et récemment à l’encre.
Originaire de Touraine, Muriel Bernard s’est installée à Vannes en 1990. Elle nous invite à contempler un équilibre subtil entre peinture et gravure, deux langages complémentaires qui, ensemble, composent l’unité de son œuvre.
Muriel Bernard saisit très vite l’essence d’un sujet, avec une perception vive des formes et de la lumière. Elle en trace alors des croquis rapides dans ses carnets, parfois quelques pochades à la gouache. Mais ces esquisses, une fois couchées sur le papier, sont oubliées. Ce n’est que plus tard, dans la lente construction de la toile, par superpositions successives de couleurs, qu’elles réapparaissent — comme filtrées par la mémoire.
Couleur et matière forment les fondations de son processus. En réinventant une nature morte ou une scène d’intérieur, Muriel Bernard cherche à susciter l’émotion, savourant ce paradoxe fait de plénitude et de tension, né du besoin de créer. Ses sujets, à peine esquissés, deviennent les figures silencieuses d’un théâtre de toile ou de papier. Présents, presque évidents, ils troublent par leur vérité révélée sous un regard ordonné.
Muriel Bernard envoûte. Elle donne l’illusion du hasard, mais capte, dans le silence, l’instant précis du désir.
Artiste peintre, né en 1968, Philippe Béranger cherche à célébrer le quotidien en le transcendant. Extraits de son environnement proche (objets de l’atelier, personnages, piscine, paysages…) émergent des tableaux où l’aspect figuratif flirte parfois avec l’abstrait ou le surréalisme. Par le traitement des matières, fluides ou texturées , il revendique avant tout « l’autonomie plastique » pour sa peinture, cherchant à en exalter ce qu’elle aurait de plus sensible, de plus intime.
Des études poursuivies à l’ESTB, école d’Architecture et de dessin d’Art à Paris,me prédestinaient à un parcours plus conventionnel que celui de la peinturesur chevalet.
Je ressenti le besoin de m’immerger dans l’Art afin de partager mes émotions pour un monde sauvage et mystérieux où l’Animal, malgré sa puissance reste fragile.
Observer, apprendre, écouter et retransmettre d’une façon réaliste ou surréaliste unmouvement, une expression, un regard. Chercher à sensibiliser sur la beauté du vivant devient l’enjeu de mon travail.
Sculpteur-céramiste animalière, mon travail s’inspire de ma passion pour le dessin, les animaux et la nature. Mes pièces naissent d’un dialogue entre la terre, la nature sauvage, les contes et la symbolique des animaux totems, afin de créer un bestiaire à la fois poétique et habité. Chaque création prend vie comme un être singulier, porteur d’une émotion, d’un regard, d’une histoire.
Depuis plus de dix ans, j’explore les multiples possibilités qu’offre la technique du Raku. Cette cuisson, intimement liée aux éléments naturels, confère à mes œuvres une part d’imprévu, de singularité et de magie. »
J’expose en boutique, galerie et salon d’art. Mon atelier se trouve à Vertou et se visite sur RV.
Après un parcours dans l’édition, Héloïse Robin entame sa carrière artistique en 2010 par une rencontre avec un artisan laqueur (Atelier Midavaine, Paris), qui la forme aux techniques traditionnelles dont elle s’emparent.
Un tour du monde d’un an nourrit son approche du paysage, sa fascination pour l’Asie modèle ses gestes techniques et sa palette.
A partir de 2012, outre les expositions personnelles, elle développe une série de collaborations à l’international. En 2015, elle réalise une résidence de création photographique au sein des réserves des peuples natifs du Canada. De 2016 à 2017, elle rejoint le projet artistique Lyra lors de résidences de médiation et de création en France, en Inde et en Tunisie. En septembre 2017, la restitution du projet à l’Institut du Monde Arabe à Paris intègre une exposition de son travail. En 2020, Héloïse ROBIN collabore avec la mosaïste Alexandra Carron à la conception de panneaux décoratifs pour l’aéroport Roissy-CDG.
Exposée dans plusieurs galeries de l’Ouest de la France, elle poursuit ses recherches sur la couleur, expérimentant les possibilités techniques de ses supports en bois enduit et mettant au cœur de sa démarche le monde végétal, questionnant le rapport de l’Homme au vivant.
DÉMARCHE
Formée à diverses techniques traditionnelles (laque, dorure, sgraffito), Héloïse Robin concentre ses recherches sur la couleur, sa stratification, sa puissance vibratoire. Ses compositions se focalisent sur le paysage et les formes naturelles, topographiques ou végétales. Tout en empruntant à la nature la souplesse de ses courbes, l’artiste réagence le paysage en donnant la primauté au dialogue chromatique.
À l’utilisation d’une palette intense, l’artiste allie une douceur formelle, dans la souplesse des transitions colorées et dans les gestes qui leur sont associés, ponçage, estompage ou lustrage.
Couche après couche, elle applique sur ses panneaux de bois une recette issue des métiers d’art : un enduit naturel à base de blanc de Meudon additionné de colle de peau de lapin. Gravant la couche de peinture apparente afin de révéler dans la masse la clarté de l’enduit, l’artiste exploite dans sa profondeur la matière de ses supports.
La verticalité des formats, l’allongement du trait, la disposition aérienne des éléments invite à une lecture ascendante des compositions, provoquant une sensation de suspension. Se manifestent alors des écosystèmes instables, en transformation, pour établir in fine une cartographie abstraite du monde
« Ne garder que l’essentiel… ressentir, écrire des paysages» Dès l’enfance, Aurélia a été touchée, émue par son environnement : le lever du soleil, les arbres, la Loire… tout est sujet à la contemplation. A travers le dessin mais aussi en flânant ici ou là, la nature l’influence, la nourrit. Un arbre, une fleur, un nuage, le lit d’une rivière… à l’écoute de tout ce qui l’entoure et l’amène à rêver. Pastelliste, elle travaille de mémoire et nourrie sa rétine d’images et couleurs pour les restituer avec ses émotions. Créer des ambiances et inviter les gens à regarder autrement ce qui les entoure. Un choix de couleurs assumé, une interprétation personnelle et libre. C’est une coloriste, coloriste des émotions que lui procurent les paysages. Vivant à la campagne et de nature contemplative elle se laisse guider par son environnement rural et ligérien depuis plusieurs années.
Pierre JOUBERT vit et travaille à Vigneux-de-Bretagne.
Le peintre breton élargit son inspiration autour d’œuvres mêlant architecture épurée, littoraux marins et paysages urbains. Mais il ne délaisse pas pour autant ses racines créatives entre roches, larges plages, végétations dunaires et autres rivages maritimes, promenades idéales pour ressourcer notre regard.
Sylvie Bourdeau, artiste animalière, vit en Loire-Atlantique.
Elle sculpte des œuvres d’art uniques et fascinantes en céramique en puisant dans le monde animalier sa source d’inspiration. Son thème prédominant est le monde marin.
Artiste autodidacte, elle expose en pays de Loire avant d’exposer son travail en France, en Belgique et en Espagne. Issue du milieu infirmier, elle aime prendre soin des autres, mais ressent un réel besoin de créer. Passionnée, elle se laisse guider par ses émotions et sa passion. Elle commence à travailler la terre de manière minutieuse pour révéler l’élégance naturelle des animaux tout en y ajoutant un détail personnel qui humanisera l’œuvre originale.
Sa pratique repose sur la technique délicate du « raku », procédé de céramique japonais impliquant l’émaillage, la cuisson et l’enfumage des pièces qu’elle crée pour mettre en lumière les détails et l’apparence unique de chaque œuvre. Sylvie tient à ce que chaque œuvre ait une personnalité forte sans jamais qu’aucune sculpture ne se ressemble.
Vit et travaille à Saint-Jouan-des-Guérets (35). Pour Gérard Mursic l’instinct et la couleur sont la matière première de sa peinture. Proche de l’abstraction, il privilégie l’intuition, la sensibilité et l’émotion. Il est récompensé dans de nombreux salons artistiques. Invité par la ville Turque de Kusadasi, il participe à l’International Workshop of Art en septembre 2016, Il a récemment été retenu par la Fellini Gallery de Berlin pour la Velocity Exhibition en 2016.
Liao An-Yu est une artiste peintre Franco-Taiwanaise installé en Deux-Sèvres. Après 5 années d’études aux Beaux-arts à Tainan, elle sera choisi parmi des centaines de candidatures pour devenir professeur assistante dans cette même école. Elle y enseignera pendant deux ans avant de venir visiter la France et d’y rencontrer son futur mari. Sa peinture se caractérise par un dessin très structuré conjugué à une extraordinaire liberté dans les tons et les lumières. Sa peinture « figurative contemporaine » compose avec harmonie entre l’exigence du réel et une créativité sans limites en matière de couleurs. Ses thèmes de prédilection évoluent au fil du temps. Liao An-Yu peint tout ce qui l’entoure, tout ce qui lui plaît, là où elle se sent bien.
Vit et travaille en Pays de Loire. Joël Rougié expose ses tableaux en France et à l’étranger depuis une trentaine d’années. Les Villes, thème cher à Joël. Derrière l’image, se profile un regard d’une acuité déroutante qui donne à voir sans avoir l’air d’y toucher des lieux intensément fréquentés mais qui ici sont désertés. Joël peint avec gourmandise des sujets quotidiens qui nous révèlent ou nous confirment dans notre idée que les apparences sont parfois trompeuses si on veut bien se donner la peine de dépasser le simple coup d’oeil qui réduirait sa peinture à un objet décoratif, ce qu’elle n’est pas.
Vit et travaille à Saint-Herblain (44). Graphiste de formation, Claire se forme à la peinture à l’huile dans l’atelier des Jude (peintres de l’école d’Etampes). La peinture est pour elle un langage de retranscription de la lumière présente dans son quotidien. En quête incessante d’une meilleure expression, elle travaille régulièrement en extérieur pour affiner sa palette. Son travail, non conceptuel, se veut témoignage d’une vie.
Tout dans sa peinture est sérénité et rayonnement secret, aussi bien dans les paysages d’automne et d’hiver aux broussailles rousses qui accrochent les derniers éclats de soleil que dans les prairies toutes vibrantes de vie végétale.
Délicatesse d’expression renforcée par un graphisme en surimpression… allégresse et légèreté
Artistes pour l'Espoir - Les Sorinières - 44 